Evelyn De Morgan artiste : la peintre victorienne qui unit préraphaélisme, symbolisme et art féministe
Evelyn De Morgan (1855–1919), née Mary Evelyn Pickering, est l’une des peintres anglaises les plus importantes de l’époque victorienne. Formée à la Slade School of Fine Art et profondément influencée par les maîtres de la Renaissance italienne, elle a développé un langage visuel unique mêlant lyrisme préraphaélite, allégorie symboliste et engagement farouche en faveur d’idéaux féministes et spirituels. Ses toiles — vastes, lumineuses, peuplées de figures féminines drapées — se distinguent nettement des conventions décoratives de son temps.
Faits essentiels sur Evelyn De Morgan :
- Née le 30 août 1855 à Londres, morte le 2 mai 1919
- Mariée au céramiste William De Morgan en 1887
- Style : artiste préraphaélite et peintre symboliste travaillant à l’huile
- Thèmes récurrents : émancipation féminine, spiritualisme, mythologie, pacifisme
- Collection principalement conservée à la De Morgan Foundation, Londres
De Mary Evelyn Pickering à Evelyn De Morgan : biographie d’une artiste déterminée
Née dans une famille londonienne de la haute société, Mary Evelyn Pickering manifeste dès l’enfance un talent artistique exceptionnel. Contre les attentes de son milieu social, elle entre à la Slade School of Fine Art en 1873, où elle se distingue rapidement comme l’une des étudiantes les plus douées de sa génération. Elle obtient une bourse qui lui permet de séjourner longuement à Florence, où les œuvres de Botticelli, les sources italiennes de Burne-Jones et les peintres de la première Renaissance marquent durablement sa palette et son traitement des figures.
Son mariage en 1887 avec William De Morgan — célèbre céramiste du mouvement Arts and Crafts — marque un tournant créatif plutôt qu’un retrait domestique. Le couple partage des idées sociales progressistes, un intérêt pour le spiritualisme et un engagement dans un travail qui repousse les limites de leurs médiums respectifs. William soutient sans réserve la carrière d’Evelyn, et celle-ci maintient une production abondante jusqu’à sa mort en 1919, donnant une part importante de ses biens à des œuvres caritatives et léguant ses peintures à ce qui deviendra plus tard la De Morgan Foundation.
Tout au long de sa carrière, Evelyn De Morgan expose régulièrement à la Grosvenor Gallery et à la New Gallery — les lieux institutionnels du mouvement esthétique — obtenant une reconnaissance critique sans jamais atteindre le succès commercial dont bénéficiaient ses contemporains masculins. Cette relative marginalisation, due en partie à son genre et en partie à la radicalité de sa vision, n’a fait que renforcer sa réputation au fil des décennies suivantes.
Style et technique : racines préraphaélites, envol symboliste
En tant qu’artiste victorienne, Evelyn De Morgan occupe une position féconde entre plusieurs mouvements. Ses dettes envers la confrérie préraphaélite sont évidentes : couleurs lumineuses semblables à des gemmes, rendu méticuleux des drapés et des textiles, goût pour les sujets littéraires et mythologiques, figure féminine idéalisée mais psychologiquement présente. Pourtant, elle dépasse le programme préraphaélite d’une manière qui la rapproche davantage du symbolisme européen.
Là où de nombreux peintres préraphaélites célèbrent la beauté comme une fin en soi, De Morgan oriente constamment la splendeur visuelle vers un but allégorique et moral. Ses figures ne sont jamais de simples ornements passifs : elles s’élèvent, luttent, transcendent, souffrent ou triomphent. Le corps féminin, dans son œuvre, devient un véhicule d’idées — libération, enfermement, ascension spirituelle, douleur terrestre — plutôt qu’un objet de contemplation.
Sa technique se caractérise par :
- Des compositions monumentales de figures sur de grands formats, souvent verticaux
- Des drapés rendus avec une précision héritée de la Renaissance italienne, grâce à des glacis superposés qui produisent la luminosité
- Des palettes dominées par des ors profonds, des bleus célestes, des ocres chauds et des roses doux — des couleurs dont le poids est autant symbolique qu’esthétique
- Un espace allégorique mêlant paysage naturaliste et décors oniriques ou mythologiques
- Une figure féminine ailée récurrente, emblème de l’aspiration spirituelle
Œuvres majeures : allégorie, mythologie et condition féminine 🖼️
La production d’Evelyn De Morgan s’étend sur quatre décennies et comprend certaines des peintures allégoriques les plus ambitieuses produites dans la Grande-Bretagne victorienne.
Flora (1894) présente la déesse du printemps comme une figure joyeuse, libre de ses mouvements, entourée de fleurs — une vision de vitalité féminine totalement opposée à l’idéal domestique de la femme à cette époque.
Aurora Triumphans (1877–1878) compte parmi ses toiles les plus célèbres. Aurora, déesse de l’aube, s’élève triomphalement, sa lumière dorée dissipant les ténèbres — une image à la fois mythologique et profondément personnelle, évoquant une puissance créatrice qui se libère de la contrainte. Le tableau illustre la manière dont De Morgan utilise les thèmes mythologiques pour formuler des expériences que le vocabulaire victorien poli ne pouvait exprimer.
The Gilded Cage (1919), achevé dans la dernière année de sa vie, est peut-être la plus ouvertement politique de ses œuvres. Une femme se tient prisonnière dans une cage architecturale dorée, belle mais immobile — un argument visuel direct sur l’enfermement social et légal des femmes. Le tableau résume des décennies de déclarations féministes implicites, rendues ici explicites.
Parmi les autres œuvres clés figurent The Angel of Death (1890), Medea (1889), The Worship of Mammon (1909) et SOS (1914–1916), cette dernière étant une réponse pacifiste à la Première Guerre mondiale, dans laquelle des figures spectrales tendent désespérément les bras vers un ciel indifférent.
| Titre | Date | Thème | Localisation |
|---|---|---|---|
| Aurora Triumphans | 1877–1878 | Puissance créatrice féminine | De Morgan Foundation |
| Flora | 1894 | Printemps, vitalité, liberté | De Morgan Foundation |
| The Gilded Cage | 1919 | Enfermement féminin, art féministe | De Morgan Foundation |
| SOS | 1914–1916 | Pacifisme, deuil de guerre | De Morgan Foundation |
Spiritualisme, féminisme et pacifisme : les idées derrière les toiles
Comprendre Evelyn De Morgan comme artiste, c’est comprendre que ses peintures ne sont jamais simplement décoratives. Trois engagements intellectuels traversent toute son œuvre.
Le spiritualisme façonne à la fois sa vision du monde et son langage visuel. Comme beaucoup de Victoriens instruits, elle est attirée par l’idée que la conscience survit à la mort corporelle et que le monde matériel n’est qu’un registre de l’existence parmi d’autres. Cette croyance nourrit directement son imagerie de l’ascension, de la transformation et du passage entre les mondes. Figures ailées, lumière radiante et paysages liminaires ne sont pas des choix ornementaux — ce sont des déclarations théologiques.
L’art féministe constitue le fil le plus constant de sa pratique. À une époque où l’on attend des femmes artistes qu’elles travaillent sur de petits formats et des sujets domestiques, De Morgan produit de grandes toiles mythologiques et allégoriques à égalité avec ses pairs masculins. Plus important encore, elle utilise ces toiles pour interroger la condition des femmes : l’écart entre performance sociale et vie intérieure, la violence de l’enfermement décoratif, le désir de mobilité et d’autonomie. The Gilded Cage est la formulation explicite de ce que des dizaines de tableaux antérieurs avaient suggéré.
Le pacifisme devient urgent après 1914. Profondément opposée à la Première Guerre mondiale, De Morgan canalise son chagrin et sa protestation dans une série de toiles montrant le coût humain du conflit. SOS et les œuvres apparentées de cette période révèlent une peintre prête à abandonner le sublime mythologique pour quelque chose de plus brut et plus immédiat.
L’héritage d’Evelyn De Morgan et la De Morgan Foundation aujourd’hui
Evelyn De Morgan meurt en 1919, peu après l’Armistice, laissant un patrimoine qu’elle destine en grande partie à des causes caritatives. Les peintures qu’elle et William avaient réunies passent finalement à la De Morgan Foundation, qui détient aujourd’hui la collection la plus vaste et la plus représentative de son œuvre.
Sa réputation, longtemps éclipsée par celle de contemporains masculins mieux promus, n’a cessé de croître depuis les années 1970, à mesure que l’histoire de l’art féministe redécouvrait le travail des femmes artistes systématiquement exclues des récits canoniques de la peinture victorienne et de la fin du XIXe siècle. Elle est désormais reconnue comme une figure majeure de la tradition préraphaélite et comme l’une des peintres symbolistes les plus rigoureuses intellectuellement à avoir travaillé en Grande-Bretagne à son époque.
Pour quiconque aborde l’art victorien au-delà de Rossetti et Millais, Evelyn De Morgan offre un corpus visuellement magnifique, intellectuellement sérieux et historiquement significatif — celui d’une peintre qui utilisa la beauté non comme une échappatoire au monde, mais comme un moyen d’argumenter avec lui.
